钱柏林节奏伴侣

1947年：哈里·钱柏林的节奏伴侣

1949年制造的钱柏林节奏伴侣（Rhythmate）是世界上最早的电子鼓机之一。该乐器由加州阿普兰（Upland）的哈里·钱柏林（Harry Chamberlin）设计制造（一共可能仅生产了十台左右）。由于另一款产品——钱柏林电子琴——在20世纪60年代销量颇佳，钱柏林便更新了整个鼓机产品线——1960年到1969年，节奏伴侣共生产了25/35/45多个型号，出售了100台。

1960年代一款节奏伴侣的控制面板

节奏伴侣是一台为辅助风琴演奏而设计的鼓机，利用磁带循环乐句（Loop）制造。鼓机磁带共有14种节奏乐句，一个滑块（sliding head）可以选择播放磁带上的不同部分（轨道），或者介于两种节奏之间“混合”演奏。乐器上有一个音量调节旋钮、一个音调/速度控制旋钮，还有一个单独的放大器，用来处理低音、高音和音量。此外，它还具备一个输入口，可连接吉他、麦克风或者其他乐器。磁带中的乐句取自真实的爵士鼓组，有多种节奏型，还加入了一些额外的打击乐声部轨道，如如邦高鼓（Bongos）、音棒（Clave）、响板（castanets）等。乐器还内置了放大器和一个12英寸的扬声器。

1951年，钱柏林凭着对磁带回放技术的掌握，制造了钱柏林200型电子琴，随后又制造了 300/350/400/500以及600和660型电子琴。

钱柏林节奏伴侣内部，可看到10英寸扬声器和磁带循环乐句装置

参考资料：

http://www.mellotron.com/chamanu.htm

自由音乐机，即“用于演奏格兰杰自由音乐的克劳斯-格兰杰电眼声音机”

1948年：珀西·格兰杰、伯内特·克罗斯的自由音乐机

自由音乐机（Free Music Machine）由美国音乐人、歌手珀西·格兰杰和澳大利亚作曲家珀西·格兰杰共同发明。格兰杰是法鲁西奥·布索尼（Ferruccio Busoni）的弟子，是一位技艺精湛的钢琴手。他从1900年开始就一直在提出并发展他的“自由音乐”（Free Music）理念：这种音乐形式以八分音符为基础，节奏上完全自由，记谱方式也不同常例，使用坐标方格纸上。格兰杰曾尝试使用多台泰勒明琴、变换唱片转速等方式实现“自由音乐”，最终发明了这台乐器。格兰杰写于20年代的音乐作品《随机化》（Random Round），标志着他在随机化作曲（random music composition）上的尝试，这比约翰·凯奇（John Cage）早近30年。在最初的自由音乐实验中，格兰杰使用线材将三台独奏琴连接到一台自动钢琴（Pianola）的琴键上，使用这台自动钢琴控制三台独奏琴，但不久之后，他就放弃了这个方案：因为这种组合方式无法使用自动钢琴产生连续的滑音效果。此后，格兰杰开始与伯内特·克罗斯（Burnett Cross）和妻子艾拉·格兰杰（Ella Grainger）协作，研究开发结构更复杂，但设计也更怪异的机器系统。自由音乐机便是这样一种“机器”：该“机器”可以控制八个振荡器的音高、音量和音色，机器上有两组大尺寸滚轴，可将四组纸卷输送至机械臂处，机械臂则在纸带的裁剪边缘滚动，进而控制振荡器的各类参数。

格兰杰的“袋鼠口袋型”自由音乐机示意图

格兰杰在1952年4月注释了上面的示意图：

“乐器8个振荡器通过坐标纸、塔碟（towered discs）和金属臂控制，可以产生格兰杰自由音乐（理念产生于1892年左右）中的滑音及不规则（即无节拍）节奏。（纸带是）一个约80英寸高的浅棕色纸卷（称“主背纸”），以滚动的形式从送纸转轴送至受纸转轴。输送的过程中，纸带会经过一个金属架笼（用于保持主背纸、坐标纸和盘片位置一致）。8个振荡器分别有控制各自音高、音量的图线。主背纸的正面附有四张控制音高（纸张为淡绿色、淡紫色）、四张控制音量的图线纸（淡粉色），纸张的上边缘，按照对应音符的时值、音强要求，被裁剪成高低不平的形状。上述的这些图线纸分别控制前四个振荡器。同样的道理，主背纸的背面也附有同样的控制图线纸，用来控制后四个振荡器。这16张图线纸以纸张底部为参照，按不同的高度装订在主背纸上，但纸张顶部与主背纸并不订死。这样，（主背纸与图线纸）形成了一个“口袋”，口袋中可插入金属塔碟，塔碟的塔部卡在图线纸边缘，跟随纸边的高低上下运动。塔碟的运动通过机械臂传递给轮轴，进而控制振荡器的声音控制箱，将音调音量调整为指定参数。（塔碟中的）蓝白盘用于控制音强，尺寸比控制其他音调的多色盘片小。上面示意图中没有标注连接的导线。”

格兰杰曾指出，他的这台“自由音乐机”应该能够完成以下功能：

• 可以使用7种音色播放出任意音高、任意时值、强度的音符，包括二分、四分、八分音符；
• 不同音高之间，即可连续变化（即类似弦乐），又可跳跃变化（类似钢琴）；
• 必须能够演奏人类无法实现的复杂无节拍节奏。节奏动态性可精确控制。
• 作曲者必须能够自己使用、维护这台乐器。

格兰杰是一位持之以恒的实验者，拥有丰富研发经验。他还发明过一些其他稀奇古怪的乐器，包括：

• 第一个用于演奏滑音的滑管；
• 一台电子回放型两用自动钢琴^[1]两用钢琴（Duo-Art Grand Piano），一种结合了唱片机、自动钢琴功能的钢琴。，可用于演奏无节拍、不规则小节（irregular barring）的音乐。
• 便携式折叠小风琴；
• 伯内特·克罗斯型电影胶片卷动音带（但因为格兰杰不能用这个音带直接控制声音，因而不再使用）
• 史密斯管风琴（Smith’s Organ Flute Pipe），琴上挂有鬼脸和滚棒作为装饰。
• 一系列装有簧片的盒式乐器，可使用真空吸尘器“演奏”出声。（1944-6）
• 缝纫机和手钻（可以用作振荡器，产生多种声音）（1951.9）
• “袋鼠口袋”^[2]据查，这台乐器也是他研究自由音乐的实验品之一。——译者注（Kangaroo Pouch），由格兰杰设计外壳框架，在克罗斯建议下装上了轮子；还
• 装有4个真空管振荡器，振荡器由当地白原中学（White Plains High School）学电子专业的布兰奇（Branch）制造。
• 蝴蝶钢琴（Butterfly Piano），其音与音之间仅相差1/6音高，而非普通琴上的半音律制^[3]详见http://www.limelightmagazine.com.au/Article/261050,percy-grainger-s-hall-of-mirrors.aspx。——译者注。（1952年）
• 克劳斯-格兰杰电眼声音机（electric eye tone tool，1957-1959），是现存的最后一台格兰杰乐器。

珀西·格兰杰论述自由音乐，1938.12.6：

自由音乐（札记2）

“音乐是一种尚未成熟的艺术；它现在的境况可以看作是埃及浮雕的时代：躯干刚刚浮现，而头和四肢仅有侧面轮廓——无数自然的可能性都被制约在这规范的形式中。借助自由音乐，我们可以进入像希腊雕刻技工那样技术纯熟的时代——人类静止状态的所有角度分毫毕现。当今的传统音乐（无论“古典”还是“流行”音乐）都被给定的律制音阶、节拍律动（不管是规律还是不规律的）所牢牢把控；所有音乐织体都为节奏所限制，好像和声步骤（无论有调性还是无调性的）仅仅是习惯一般，这根本不配称作“规律”。有些作曲家或者或那地，多少放松了这些在音乐上的制约因素。西里尔·斯科特（Cyril Scott）、杜克·艾灵顿（Duke Ellington）着迷于滑奏音色；亚瑟（Arthur）等人则尝试使用近半音（closer half tone）创作；西里尔·斯科特（跟随我）撰写了一些比较无节拍的作品，在欧洲地区获得了斯特拉温斯基（Stravinsky）等人的回应。勋伯格（Schoenberg）也将我们从传统和声体系中解放出来。但是，除了澳大利亚的作曲家们，没有人愿意将上述的创新结合起来创作一部可真正称为“自由音乐”的作品。在我看来，人类已经生活在一个可以飞行的时代，但人们却仍旧无法接受演奏滑音（tonal glide）、弯音（curve），这简直太荒唐了——这就好像是，你能在一小块方块上涂色（就像马赛克），却不能画曲线一样。在一出戏剧里，如果台上的演员只能根据戏剧关系而走动（也就是不能按照自己的想法自由走动），我们肯定会觉得太离谱了——但这种荒诞的“正步”场景仍存在于音乐中。在大自然中，我们可以听到许多动听而触动人心的、“自由”（非和谐和声的）的声音组合，但我们却因为“和谐和声”的故纸堆，而不能将这些美妙的声音表达带进音乐中。我还是十一二岁孩子的时候，住在墨尔本的奥本（Auburn），曾在脑海中浮现过“自由音乐”的感觉。我觉得这是我对音乐领域仅有的“贡献”。我想，那个音律自由的世界，正在太阳中召唤着我——那轮太阳是在墨尔本阿尔伯特公园（Albert Park）、维多利亚布莱顿（Brighton, Vic.）的太阳，是我还是个孩童的时候，在天上的那轮太阳。

所以说，自由音乐不是我的一厢情愿；即使我不把他写出来，也总有其他人把它说出来，因为所有的音乐，这个世纪以来，一直都在向着这个方向发展。对我来说，自由音乐是唯一一种在逻辑上符合科学时代的的音乐形式。

人工交响乐团第一次演奏我的自由音乐作品，是在1935年1月我给澳大利亚广播委员会（Australian Broadcasting Commission）做墨尔本的广播演讲的时候，珀西·科德（Percy Code）指挥了演出（特此致谢）。但自由音乐实际上需要非人工力量的演奏。与其他“真正的”音乐一样，自由音乐是不是大脑理性的产物或是什么商品，而是一种感性的结果，它应该直接从作曲者的脑海中传出，通过精妙控制的“机器乐器”直达听众。音乐已被人类的双手限制太久，其表达也被中介人——也就是演奏者——限制太久。作曲家希望和听众直接交流。（机器乐器如果是为作曲量身定做的，且作曲家为其专门创作作品的话）机器乐器可以胜任这种情感表达。这也是我为泰勒明琴创作自由音乐的原因——这是我知道的、调性最完美的乐器。在原始的原谱上，每个音符（在音高^[4]pitch-staves和音强上^[5]strength staves）都是用特定的颜色标记，因此不同的声音间很容易相互辨别。

珀西·奥尔德里奇（Aldridge）·格兰杰，1938年12月6日

参考资料：

塞尔默产音乐厅型电子钢片琴

1947年：M.康斯坦特·马丁的电子钢片琴

电子钢片琴（Clavioline）是一款面向当时流行音乐人设计的轻量、便携式电子键盘乐器，是50年代最受欢迎的电子乐器之一。该乐器作为一台单音的便携式键盘乐器，使用电池供电。电子钢片琴的最初型号是由M.康斯坦特·马丁（M. Constant Martin）在他位于凡尔赛的工厂中制造的，完成于1947年。该乐器由两个部分组成：一个是配有音色控制单元的键盘部分，一个是装有放大器、扬声器的便携箱。因为引入了八度移调开关功能，该乐器的使用的单个振荡器音域可达到5个八度（在博德版电子钢片琴中则是6个八度）。琴的键盘上一共有18个开关按钮（塞尔默版为22个），可控制音色、八度音域、击键音头、颤音速度和烈度。乐器的音量使用曲杆控制。马丁曾在1949年制造了一种双复音（最大发音数为两个）型电子钢片琴，该琴的外形很像一台微缩大钢琴，具备双复音发声系统，但这一版本从未投入量产。

塞尔莫产电子钢片琴，配有支架、放大器扬声器箱

电子钢片琴所产生的铜管、弦乐音色的效果在当时被认为是相当逼真的；该乐器也曾为50～60年代的流行音乐人所使用——披头士、乔·米克（Joe Meek）^[1]乔·米克（1929.4.5～1967.2.3），英国音乐人，实验流行乐的先锋人物。后文所述的作品《Telstars》是其代表作之一。——译者注的龙卷风乐队^[2]the Tornadoes，在他们的作品《Telstar》（通讯卫星）中曾使用电子钢片琴。、桑·拉（Sun Ra）^[3]桑·拉（1914.5.22～1993.5.30），美国爵士作曲家、乐队领队，实验爵士作曲人。等人都曾使用过这台乐器。

电子钢片琴曾被授权给全世界多家厂商进行生产，其中就包括英国塞尔默（Selmer）、美国吉普森（Gibson）。该琴面向音乐厅的功能扩展型号由雷内·西博尔德（René Seybold）和哈拉尔德·博德在1953年制造，由德国杜塞尔多夫约尔根森电子公司销售。在20世纪40年代，电子钢片琴还曾被比利时“德凯普-莫泰墨/范德博世”公司（Decap and Mortimer/Van Der Bosch）整合进大型舞厅风琴中。

塞尔默产音乐厅型电子钢片琴

塞尔莫产电子钢片琴，配有支架、放大器扬声器箱

参考资料：

哈拉尔德·博德在1947年发明的音弦琴

1947年：哈拉尔德·博德的音弦琴

博德曾在二战之前发明过一种名为“音律琴”的电子乐器。该乐器结构复杂，而且设计过于新颖，因此并不适合量产。音弦琴（Melochord）便是战后在“音律琴”基础上开发而来的一种乐器。二战以后，博德使用音律琴的部分零件制造了音弦琴。这是一种使用电子管技术的单音键盘乐器。乐器的键盘和音高均为传统12平均律式，可使用开关将37键的音域扩展成3～7个八度。该琴的一个踏板，可控制整体的音量；琴上还具有一个新颖的电控包络整波器，可为每个键所触发。

“所以从1939年到1945年，除了写过一些电子音乐方面的作品以外，我什么都没有做。1947年，我们终于摆脱了战后的混乱时期，我便着手制作了音弦琴。我最初本想将这台乐器做成一种可以在一个键盘上演奏旋律、和弦的乐器，但最终我决定让这种乐器的一个键盘上可以同时发两个音：将键盘分为两块，高音三个八度分配一个音源发生器，低音两个分配另一个音源发生器。因为这样的设计，这两部分键盘是相互独立的，他们的音色生成过程、表情控制踏板也都是独立的，因此，声音也可以重叠交叉。当时这台乐器为德国的广播系统，尤其是慕尼黑地区所使用。这台乐器不是量产（即商品）乐器，而是我自己做、自己使用的，我曾经将他租给电影公司或者用于配合乐队录制唱片。这台乐器曾出现在我跟着一起环游德国的一个乐队（及其唱片）中。第二台音弦琴是经梅耶-埃普勒尔（Meyer-Eppler）受波恩大学（Bonn University）委托制造的，当时梅耶也刚开始在科隆电子音乐工作室（Cologne Electronic Music Studio）承担恩克尔（Enkel）博士的研究工作。这就是为什么克隆电子音乐工作室委托我制造了音弦琴。这台乐器后来又为卡尔海因兹·斯托克豪森（Karlheinz Stockhausen）所使用。还有两台音弦琴是为汉堡NWDR电台以及慕尼黑的一家剧院制造的；此外，还有其他的几台音弦琴，但是，这台乐器并非量产的乐器。

——哈拉尔德·博德在采访中的回答，《SYNE》杂志，1980年

音弦琴后期版本

后期版本的音弦琴使用了两组键盘，其中第二组键盘可以控制另一组键盘的音色，这种技术在之后的模块合成器中也有所使用。音弦琴曾经在伯恩大学早期的电子音乐工作室中广为使用，也被维尔纳·梅耶-埃普勒尔（Werner Meyer-Eppler）博士所使用，后来还安装在科隆德国西北广播电台（North West German Radio）录音室中（当时一起安装的乐器还有“单律琴”、一个简单的振荡器滤波系统）。50年代，在西北广播电台的这台琴曾为电子音乐流派（Elektronische Musik group）所运用。使用过音弦琴、单律琴的艺术家包括赫伯特·艾默特（Herbert Eimert）、罗伯特·拜尔（Robert Beyer）、卡雷尔·高耶瓦兹（Goeyvarts）、捷尔吉·利盖蒂（György Ligeti）、亨利·普索尔（Henri Posseur）、卡尔海因茨·施托克豪森（Karlheinz Stockhausen）等等。

博德在演奏音弦琴

虽然音弦琴在技术上有诸多缺陷，这台乐器仍旧在电子音乐的发展中有着重要的历史地位。梅耶-埃普勒尔那部展望未来、颇具影响力的作品《声音的模式》（Klangmodelle）便是基于音弦琴的；他在达姆施塔特新音乐学院（Darmstadt New Music School）的演讲也是如此。1961年，博德发现晶体管技术要远优于电子管合成技术，因此，他撰写了一篇文章，意在掀起一场“电子乐器革命”；博德提出的“模块化”、“微型封装晶体管”（miniature self contained transistor）概念在60年代早期为罗伯特·慕格（Robert Moog）、唐纳德·巴克拉（Donald Buchla）等人所继承发展。

个人简介

哈拉尔德·博德，1909.10.19，德国汉堡～1987.1.15美国纽约

博德曾在汉堡大学学习数学、物理以及自然哲学，毕业于1934年。三年后，博德在作曲家、乐队领队克里斯汀·瓦恩克（Christian Warnke）的资助下发明了他的第一台乐器，名为“瓦博共振峰琴”（Warbo-Formant Orgel，“瓦博”即取自两人名字的第一个字）。1938年，博德移居柏林，并在柏林海因里希·赫兹研究所完成了研究生学习。在研究所期间，他曾与奥斯卡·威尔林以及费科·凡·欧波帝达（Fekko von Ompteda）共事，同样是在此期间，博德发明了“音律琴”，这是一台单音力度感应的多音色乐器，曾广泛用于当时的电影配乐中。

1939年二战爆发，博德开始研究用于军事的水下声音信号、无线通讯项目。“在德国，我们仅有两个选择，要么去服兵役，要么为政府工作。我觉得自己很幸运，因为我可以从事电子领域的工作。”它因此又搬到了德国南部的小镇诺伊博伊埃尔恩（Neubeuern），1947年，博德在这里制造了欧洲战后第一台电子乐器——“音弦琴”（Melochord）。1949年，博德加入AWB公司^[1]拜仁仪器有限公司，Apparatewerk Bayern GmbH，缩写为AWB，德国的一家声学仪器厂，存在于1951～1956年。——译者注，在这里制造了结构更加简单的复音版“音弦琴”，名为“多音琴”（Polychord），随后又在1951年先后发明了“多音琴三代”（Polychord III）以及“博德风琴”，其中，后者是一台商业化的风琴，是著名的埃斯蒂电风琴（Estey Electronic Organ）的原型。博德从AWB离职后，还设计有其他乐器，包括全奏琴（Tuttivox），一种小型电风琴；他还参与了和乔治·杰尼（Georges Jenny）“电子钢片琴”（Clavioline）一个型号的开发工作，这两种乐器都是当时欧洲市场上畅销的电子琴。

1954年，博德离开德国，定居在美国佛蒙特州伯瑞特波罗（Brattleboro）。这期间，他在埃斯蒂风琴公司（Estey Organ Corporation）负责管理开发团队（并在日后成为了该公司的副董事长）。1948年，博德还在埃斯蒂工作期间，建立了博德电子公司（Bode Electronics Company）。1960年3月，他在博德公司又发明另一种独特的乐器：模块合成器“音频系统合成器”（Audio System Synthesiser）。该合成器是“一台用来探索电子乐器表演未知世界的新工具”，罗伯特·慕格（Robert Moog）基于该合成器开发了慕格合成器（Moog synthesisers）的新产品线。

1960年埃斯蒂风琴公司倒闭后，博德加入了沃立舍风琴公司（Wurlitzer Organ Co.），并搬至纽约州水牛城居住。在此期间，他成为了最早一批意识到晶体管技术在电子乐器中重要性的工程师。博德提出了的基于晶体管技术的独立小型模块化合成器概念，这一概念在60年代早期被罗伯特·慕格以及唐纳德·巴克拉（Donald Buchla）等人继承并发展。1962年，博德与作曲家弗拉基米尔·阿萨彻辅斯基（Vladimir Ussachevski）在哥伦比亚普林斯顿电子音乐中心^[2]Columbia Princeton Center for Electronic Music， 美国资历最老的电子、电脑音乐研究机构，位于哥伦比亚大学，今称“电脑音乐中心”，Computer Music Center。展开了长期合作，并因此诞生了许多创新的音乐工作室设备，包括“博德环形调制器”（Bode Ring Modulato）、“博德移频器”（Bode Frequency Shifter）等。这些乐器的商业化版本均由博德公司生产，冠以慕格合成器的商标。

博德于1974年退休，退休后，他仍然在从事研究工作。1977年，他发明了“博德声码器”（Bode Vocoder，冠名为“慕格声码器”，Moog Vocoder）。1981年，他发明了最后一台乐器，名为“博德巴伯极相位器”（Bode Barberpole Phaser）。

博德的手稿

参考资料：

Bode’s Melodium and Melochord by Thomas L. Rhea. Contemporary Keyboard magazine (January 1980, p. 68) 

全奏琴乐团，图片后方是一台博德风琴（Bode Organ）

1946年：哈拉尔德·博德的全奏琴（博德型电子钢片琴）

全奏琴（Tuttivox）是由德国杜塞尔多夫的丹麦公司“约尔根森电气”（Jörgensen Electronic）所生产的一种乐器。该乐器实际上是德国授权、复音型的“电子钢片琴”。电子钢片琴最初由雷蒙德·马丁（Raymond Martin）发明，全奏琴则是改进型电子钢片琴，研发工作由德国的工程师前辈哈拉尔德·博德完成。全奏琴是一种小型便携式乐器，其键盘、放大器和扬声器都组装于一个木制便携箱中，其键盘通常是安装在钢琴上进行演奏的，用于当时的舞蹈、流行音乐乐队中。乐器使用40个E系列电子管作为音源发生器，其中36个用作音频振荡器，带有线圈（电感）和电容以实现滤波功能。乐器备有3个踏板档位（foot position）和36个滤波器设置，可相互结合产生多样的音质。全奏琴直到20世纪60年代仍在生产。

博德曾在后来与法国乐器制造者雷内·西博尔德（René Seybold）合作研发了另一个改进型电子钢片琴——“音乐厅型电子钢片琴”，（Concert Clavioline）该琴的键盘在前代乐器的基础上多出两个八度。全音琴与音乐厅型电子钢片琴曾捆绑销售，被称为“康宝复合乐团琴”（Combichord）——“世界上最小的教堂风琴”。

全奏琴的内部电路及电子管

键盘正面图

键盘及电路部分外观

扬声器部分

滤波器开关

乐器键盘

便携箱

电子管箱

琴体内部的多行电子管

键盘部分

键盘部分

全音琴音频资料

(0:43) 电子钢片琴与博德·风琴（Bode-Orgel）合奏巴赫作品，演奏者不明。摘自约尔根森（杜塞尔多夫）公司用于销售目的而录制的促销磁带《6台电子钢片琴》（6 Claviolines），录制于1952年。原始路径|本站

(0:51)一段类似唱诗的音乐，由约尔根森的一支电子钢片琴乐队演奏。原始路径|本站

(0:32)一支电子钢片琴乐队使用不同的乐团音色演奏舞曲。来源同上。原始路径|本站

个人简介

哈拉尔德·博德，1909.10.19，德国汉堡～1987.1.15美国纽约

博德曾在汉堡大学学习数学、物理以及自然哲学，毕业于1934年。三年后，博德在作曲家、乐队领队克里斯汀·瓦恩克（Christian Warnke）的资助下发明了他的第一台乐器，名为“瓦博共振峰琴”（Warbo-Formant Orgel，“瓦博”即取自两人名字的第一个字）。1938年，博德移居柏林，并在柏林海因里希·赫兹研究所完成了研究生学习。在研究所期间，他曾与奥斯卡·威尔林以及费科·凡·欧波帝达（Fekko von Ompteda）共事，同样是在此期间，博德发明了“音律琴”，这是一台单音力度感应的多音色乐器，曾广泛用于当时的电影配乐中。

1939年二战爆发，博德开始研究用于军事的水下声音信号、无线通讯项目。“在德国，我们仅有两个选择，要么去服兵役，要么为政府工作。我觉得自己很幸运，因为我可以从事电子领域的工作。”它因此又搬到了德国南部的小镇诺伊博伊埃尔恩（Neubeuern），1947年，博德在这里制造了欧洲战后第一台电子乐器——“音弦琴”（Melochord）。1949年，博德加入AWB公司^[1]拜仁仪器有限公司，Apparatewerk Bayern GmbH，缩写为AWB，德国的一家声学仪器厂，存在于1951～1956年。——译者注，在这里制造了结构更加简单的复音版“音弦琴”，名为“多音琴”（Polychord），随后又在1951年先后发明了“多音琴三代”（Polychord III）以及“博德风琴”，其中，后者是一台商业化的风琴，是著名的埃斯蒂电风琴（Estey Electronic Organ）的原型。博德从AWB离职后，还设计有其他乐器，包括全奏琴（Tuttivox），一种小型电风琴；他还参与了和乔治·杰尼（Georges Jenny）“电子钢片琴”（Clavioline）一个型号的开发工作，这两种乐器都是当时欧洲市场上畅销的电子琴。

1954年，博德离开德国，定居在美国佛蒙特州伯瑞特波罗（Brattleboro）。这期间，他在埃斯蒂风琴公司（Estey Organ Corporation）负责管理开发团队（并在日后成为了该公司的副董事长）。1948年，博德还在埃斯蒂工作期间，建立了博德电子公司（Bode Electronics Company）。1960年3月，他在博德公司又发明另一种独特的乐器：模块合成器“音频系统合成器”（Audio System Synthesiser）。该合成器是“一台用来探索电子乐器表演未知世界的新工具”，罗伯特·慕格（Robert Moog）基于该合成器开发了慕格合成器（Moog synthesisers）的新产品线。

1960年埃斯蒂风琴公司倒闭后，博德加入了沃立舍风琴公司（Wurlitzer Organ Co.），并搬至纽约州水牛城居住。在此期间，他成为了最早一批意识到晶体管技术在电子乐器中重要性的工程师。博德提出了的基于晶体管技术的独立小型模块化合成器概念，这一概念在60年代早期被罗伯特·慕格以及唐纳德·巴克拉（Donald Buchla）等人继承并发展。1962年，博德与作曲家弗拉基米尔·阿萨彻辅斯基（Vladimir Ussachevski）在哥伦比亚普林斯顿电子音乐中心^[2]Columbia Princeton Center for Electronic Music， 美国资历最老的电子、电脑音乐研究机构，位于哥伦比亚大学，今称“电脑音乐中心”，Computer Music Center。展开了长期合作，并因此诞生了许多创新的音乐工作室设备，包括“博德环形调制器”（Bode Ring Modulato）、“博德移频器”（Bode Frequency Shifter）等。这些乐器的商业化版本均由博德公司生产，冠以慕格合成器的商标。

博德于1974年退休，退休后，他仍然在从事研究工作。1977年，他发明了“博德声码器”（Bode Vocoder，冠名为“慕格声码器”，Moog Vocoder）。1981年，他发明了最后一台乐器，名为“博德巴伯极相位器”（Bode Barberpole Phaser）。

参考资料：

全音琴网站（英文）: http://users.informatik.haw-hamburg.de/%7Ewindle_c/TableHooters/instruments.html

http://weltenschule.de/TableHooters/Joergensen_Clavioline.html

“我最想做的便是创造一种具有音乐表现力的电子乐器。”

1945年：休·利·凯恩的电号琴、声频机

休·利·凯恩（Hugh Le Caine）是加拿大作曲家、物理学家、发明家，曾发明、创新了多种乐器及技术，涵盖了定制型电子乐器、早期多轨磁带录音机等等。不仅如此，他还是推进提倡电子音乐工作室发展、“用户友好型”新技术的先锋人物。与罗伯特·慕格等其他同时代的著名人物不同，利·凯恩从未见证过他的主要发明被完整商业化；他的发明创造大部分都是“一次性”的，但即便如此，这些发明仍然对电子音乐领域产生了重大影响。这些发明中，应该提及“电子号琴”（Electronic Sackbut）和“声频机”（Sonde）。

电号琴

电号琴被认为是历史上第一台使用电压控制的合成器。1945年，利·凯恩以一张桌子为基础，改装出了电号琴。在这台乐器上，演奏者以三种空间方式按下琴键，可以调整声音的三个不同方面：垂直按下对应控制音量、侧向按下控制音调、按键前后压力控制音色。1948年制造的电号琴原型机的底座是使用几块木条交叉钉出来的一个三腿桌，演奏时，演奏者右手演奏琴键，一次按下一个音，垂直控制音量、水平控制音调渐变；左手控制音色。

电号琴上有两个出色的设计，一是音色使用了可调整的波形，二则是引入了电压控制机制。因为如此，电号琴可以说是70年代合成器的领跑者。

利凯恩对加法合成理论很有兴趣，着迷于合成复杂的正弦波组。声频机（Sonde）便是他因着这一兴趣，在1968年发明的一种仪器。声频机可以同时产生200个正弦波。由于该乐器可同时发出多组正弦波，作曲者不必再叠录正弦波——因为在叠录过程中，磁带噪声也会被录进去。^[1]两种乐器的介绍由hughlecaine.com整理而来。

约瑟夫·塔勒（Josef Tal）在以色列电子音乐工作室

人物简介：休·利·凯恩（Hugh Le Caine），1914.5.27～1977.7.3

利·凯恩成长于安大略西北部的亚瑟港（Port Arthur，今桑德贝，Thunder Bay）。1939年，凯恩在加拿大女王大学（Queen’s University）取得理学硕士，并获得了加拿大国家研究委员会（National Research Council of Canada，NRC）提供的奖学金，以支持他在女王大学的研究项目——原子物理测量设备。1940～1974年间，凯恩一直与渥太华的研究委员会保持合作关系；二战期间，它还曾参与开发了第一代雷达系统。

在国家研究委员会的资助下，1948年到1952年间，凯恩开始在英国学习和物理。而在国内时，他一直都对电子音乐、声音合成技术有着持续的兴趣。1937年，凯恩设计了一台无簧电风琴，40年代中期，又发明了电号琴——这台乐器被认为是最早的合成器之一。这些乐器在对公众展示中获得了成功，经国家研究委员会许可，1954年，凯恩得以将音乐研究置于研究院旗下，并将其作为全职研究工作。

接下来的20年中，凯恩发明了超过20种不同的新式乐器。从1955年到1973年从委员会退休期间，他创造了超过15部电子音乐作品、多种音乐设备，向知识界人士、大众分享他的理念。凯恩虽在这两个圈子中得到叫好，却未得到业界的叫座。幸运的是，有一些人走进了凯恩的视野，让他终于发觉自己的努力多少有些回报。这些人中就有来自以色列的作曲家约瑟夫·塔勒（Josef Tal）。1958年夏天，塔勒在联合国教科文组织资助下来到渥太华，访问了渥太华大型的电子音乐工作室，对凯恩发明的这些乐器表现出了极大兴趣。但塔勒没有意识到的是，这对凯恩来说意味着什么。第二天，塔勒、凯恩和其他几名技术人员在一家小饭馆共进午餐的时候，塔勒注意到，这位发明家几乎没怎么说话；仔细一看，才发现他在默默流泪，泪水滴进了汤中。塔勒委婉地问其中一名技术人员这是怎么回事，才知道，原来凯恩一直觉得在加拿大没有作曲家会用他的乐器，而塔勒是第一位对他的发明产生兴趣的作曲家。

1962年，凯恩来到以色列，为塔勒成立的以色列电子音乐中心（Centre for Electronic Music）安装新式磁带录音机。凯恩也曾参与发展多伦多大学（1959）、麦吉尔大学（1964）的早期电子音乐工作室。

参考资料：

“The Sackbut Blues : Hugh Le Caine, pioneer in electronic music” Young, Gayle, National Museum of Science and Technology, Canada 1989 . ISBN/ISSN :0660120062

http://www.hughlecaine.com

哈纳特正在控制哈蒙德声音工作室（Hammond Sound Studio）的自动电子乐团（Electric Automatic Orchestra），1942年。图中左处的桌子为“时间序列台”正在扫描传送的内容，右侧则是许多真空管音源。图片来源：道格拉斯·杰克逊（Douglas Jackson）个人收藏，2017年。

1945年：约翰·M·哈纳特的哈纳特合成器

20世纪30年代，唱盘机已经取代收音机、自动钢琴，成为音乐销售的早期形态。自从这种情况出现以后，市场便将注意力转向提高唱片的质量和生产速度。此时，哈蒙德公司的首席设计师，约翰·哈纳特（John M Hanert）正在完成一种功能齐备的设备。他曾是大获成功的音轮风琴——“哈蒙德风琴”以及真空管电风琴“独奏琴”、“新音琴”的功臣之一，而这次他正在完成的设备，是一种能用于作曲系统、声音合成和生产留声机的工具：

“我的发明，是一种用于录制声音或信号的仪器，该设备在录制时，不需要借助演奏者。”

哈纳特的实验成果，便是自动电子乐团（Electric Automatic Orchestra）。该设备块头相当大，要占满一整间屋子，安装在哈蒙德公司声音工作室中^[1]当时，该工作室的地址为2915 North Western Ave Chicago Illinois。。这台机器的基本功能可分为三个大块：第一块是用于作曲的“时间序列“工作台”（Time Sequence），作曲人可通过该工作台，将音符输入机器；第二块是合成模块，可根据音符乐谱生成声音；最后一块则是输出模块——在自动电子乐团上，这一模块是一个用于制作母带（master recordings）的刻录台（lacquer disc-lathe）。

该示意图展示了自动电子乐团的记谱卡规则：X轴上记录音高，Y轴记录时值以及节奏位置。扫描探头在Y轴上运动。（来源：US Patent 2,541,051A 1945）

“时间序列”操作台是一个长达18米的工作台，它可以延伸到把整个屋子的剩余空间占满。操作台上重叠排布着用于记录音符的卡片，每张尺寸约为28x30cm。卡片上可以用导电的石墨粉或胶体石墨（aquadag）进行标记，以代表各类音乐信息。桌子上方，滚动着一个电马达驱动的“扫描架”（scanning carriage），上面装有多个铜磷合金制成的导电刷。当电刷接触到卡片上的导电石墨标记后，会产生电信号，触发对应音乐的反馈，也就是产生各种乐器的声音。哈纳特还提供了一种光电技术的扫描头，可以替代电刷进行扫描。

哈纳特设计的这台“乐器”让作曲家仅通过在时间序列操作台上擦擦写写，就能创作出“完美”的音乐作品——而擦擦写写则是“随唤随做”的，不必在现场完成。一旦创作了完美的作品，机器就可以进行最终运行，刻录母带，投入量产。

合成器记录用的乐谱卡预印有网格状模版，通过涂写，可以代表单个音符的音高——具体的测量单位包括四分一音（quarter tones）^[2]半音音高差距的一半即四分一音。——译者注、包络、音色、颤音、小节内位置、音量以及整体的乐器音量。整体的速度可以通过扫描装置归到的扫描速度进行控制；扫描装置还能根据卡片上的标记实现暂停、倒放、局部重复（Loop）等功能。工作台的长度决定了一段乐句的长度。在一种型号上，一个乐句可由39张卡片组成，最多可播放96小节。

图中为哈纳特电子乐团上的电子扫描头，1942年。图片来源：道格拉斯·杰克逊，2017年。

图中为哈纳特电子乐团上的电子扫描头，1942年。图片来源：道格拉斯·杰克逊，2017年。

图中为哈纳特电子乐团上的电子扫描头，1942年。图片来源：汤姆·雷亚（Thom Rhea）个人收藏。

电子乐团产生的声音，源自六组独立的单音真空管音源，其设计类似于哈纳特发明的新音琴。电子乐团能通过随机（白噪声）发生器，产生打击乐中的木琴（xylophone ）和鼓的声音。这台乐器还能通过修改乐谱记录卡，在读谱过程中随时切换音色，来组合不同的声音。

图中为该乐器上音源，1942年。图片来源：道格拉斯·杰克逊，2017年。

图中为该乐器上音源，1942年。图片来源：道格拉斯·杰克逊，2017年。

哈纳特这台乐器的独特之处在于，作曲人、音乐制作人第一次能够以非线性的方式进行工作：乐谱卡片可以更换，上面的石墨记号可以涂改，顺序也可以调换，作曲人能够对音乐主题和声音进行混合、移调、倒放；而配器方面，他们则能在任何一个时刻，为作品的任何一个部分指定演奏音色或乐器。此外，哈纳特的发明还能让作曲人随时掌握编辑后的效果。哈纳特曾把这一便利性投射到视觉艺术的实践上：

乐团音乐创作向来会面临一些天然的障碍。这种障碍，也许可以和画家遇到的困难相比：在绘画中，不管画没画完，作家要是对作品中的任何一点细节不满意，都可能撕掉这幅画。画家不一定非得这么做——他可以仅仅重画作品中不符合他艺术要求的那一小部分……在这台设备上，作曲、编排、指挥都有权力来控制每一个音符的“质量”，包括它的张力、包络、音律、时值和速度，而不必“牵一发而动全身”，影响作品中的其他音符。

哈纳特的专利中，描述了声音滤波、处理的流程。

虽然自动电子乐团具备诸多创新，但这台乐器，或者说是“机器”，从未被用于哈纳特最开始预想的商业生产中。实际上，似乎只有哈纳特自己用过这台乐器，而这台乐器也并未获得哈蒙德公司的重视——为了让哈纳特更专注更“平庸”但的确更“商业”的乐器设计，他们把这一发明打趣成一个“科技怪人”（technical eccentricities）。当然，这台乐器的商业失败并不只因为哈蒙德公司的冷淡，一个很重要的原因是乐器自身声音合成的机制：当时的音乐人无法掌握这台乐器上的新型音乐范式，加上当时的录音技术水平——麦克风、混音台、磁头、磁带录音机，让这台乐器代表的革新音乐生产流程显得并不那么必要。这台乐器后来被搁置一边，并在20世纪50年代期间被公司尘封起来。

自动电子乐团消失后不久，RCA公司总经理，大卫·萨尔诺夫（David Sarnoff）曾委托他人制造一种能够用于生产商业音乐的机器，这种机器要具备数学化分析流行音乐并进行再合成的能力。

“作曲人不再需要演奏乐器，因为我们的合成器可以让他们创造任何他们想要的音乐……如果你有了我们的合成器，真人演奏就不需要了。”

——大卫·萨尔诺夫，20世纪50年代RCA公司总经理，Vail, Mark. “The Synthesizer.” Oxford University Press 2014. p271

这台乐器便是后来安装在哥伦比亚-普利斯顿电子音乐中心的RCA合成器，这也是“合成器”（Synthesizer）一词第一次出现在音乐话语当中。该合成器直接参考了哈纳特的设计，其结构与自动电子乐团相似，但灵活性更好。它也同样由三个部分（创作阶段）组成——作曲用的穿孔纸带，合成音色的多组真空管，以及一模一样的刻录输出端。

个人简介：约翰·马歇尔·哈纳特

约翰·马歇尔·哈纳特（John Marshall Hanert）于1909年3月18日出生在一个美国威斯康星州密尔沃基的一个德裔人家庭中。1932年，哈纳特在密歇根大学（University of Michigan）活得工学和物理学学位。哈纳特还是一位颇具才华的风琴演奏者，对电子乐器极具兴趣。大学毕业后，他便与理查德·让格——让格通电风琴等乐器的发明者——在纽约一起工作，研究基于光电技术的乐器。1934年，哈纳特受任担任芝加哥哈蒙德风琴公司的研发管理人员，一直到他去世。作为首席研发人员，他参与设计了哈蒙德的全线产品，作为劳伦斯·哈蒙德（Laurens Hammond）的“耳朵”而为人所知——劳伦斯未曾受过音乐训练。哈纳特是哈蒙德第一台音轮风琴的共同发明人，还是独奏琴（1938）、新音琴（1939~1942）的发明人。其中，新音琴也是世界上第一台商业化合成器，他还拥有颤音效果、混响音频处理器的专利。1958年劳伦斯退休后，哈纳特仍在哈蒙德公司工作。1962年6月，哈纳特在新蒙斯特（New Munster）遭遇车祸后去世，时年53岁。

参考资料：

T.L.Rhea:”The Evolution of Electronic Musical Instruments in the United States” (diss., George Peabody College, Nashville, Tenn, 1972)

Rhea, Tom. ‘The Hanert Synthesizer’ Electronic Perspectives, Contemporary Keyboard September 1979 p78.

Suisman, D. Selling Sounds,The Commercial Revolution in American Music. Harvard University Press. 2012.

Dorf, R.H: Electronic Musical Instruments (Mineola, NY, 1954, 2/1958), 25–45, 119–27, 142–52

Dolan, Brian. Inventing Entertainment: The Player Piano and the Origins of an American Music Industry.  Rowman & Littlefield Publishers Inc 2009.

Barry, Stuyvesant. ‘Hammond As In Organ: The Laurens Hammond Story’ 1974

‘The Michigan Alumnus’ vol LXIX 1962-1963 page 63

Private collection of Douglas Jackson 2017.

1943年：A.伊万诺夫、V.A.克雷泽、安德烈·莱姆斯基-科萨科夫的埃米里琴

20世纪50年代末的埃米里琴

埃米里琴（Эмиритон，英译：Emiriton）是苏联20世纪30年代发明的众多指板型乐器中的一种。这些指板乐器应该是受到利昂·泰勒明发明的、不用键盘演奏的泰勒明琴启发而制造的，其中包括了V.A.古罗夫（V.A.Gurov，泰勒明的前同事）发明的“次世代提琴”（1927）、声纳琴（1930）以及沃洛金的沃洛金电子琴（1931）。

埃米里琴是A.伊万诺夫（А. А. Ивановым，英译：A. Ivanov）、A.里姆斯基-
科萨科夫（А. В. Римским-Корсаковым，英译：A.Rimsky-Korsakov）设计的一台电子乐器，最开始，这台乐器仅是一种指板乐器，可以产生滑音效果；在后来的型号中，才加入了标准的演奏键盘。埃米里琴的音源是一个氖管振荡器，可模拟巴松管、小提琴、大提琴和单簧管的声音。

安德烈·莱姆斯基-科萨科夫

个人简介：安德烈·弗拉基米罗维奇·莱姆斯基-科尔萨科夫

安德烈·弗拉基米罗维奇·莱姆斯基-科萨科夫（Андрей Владимирович Римский-Корсаков，英文转写：Andrey Vladimirovich Rimsky-Korsakov）是俄罗斯一位著名作曲家的孙辈后人，曾在列宁格勒音乐学院、列宁格勒工学院（Leningrad Polytechnical Institute）学习。由于同时具备音乐、工学的知识背景，安德烈得以胜任音乐产业研究所（Research Institute of Musical Industry）的工作——这是一个由N.N.安德烈耶夫（N.N.Andreyev）院士组建的研究机构。1932年，安德烈开始与A.A.伊万诺夫工程师合作开发一种俄罗斯最早的电子乐器——埃米里琴。1941年早些时候，安德烈调职至列宁格勒苏联科学院的物理技术研究所，开始进行水下声学研究。1942年，他加入海军，在战争期间参与了感音水雷（acoustic mine）的设计与测试工作。战后，安德烈来到列宁格勒电信技术研究所（Electrotechnical Institute of Communication），返回音乐声学研究领域，后来又调职到苏联科学院声学研究所。1960年，安德烈在莫斯科矿业学院（Moscow Mining Institute）成立了电声超声系（Department of Electroacoustics and Ultrasonics），专攻声学测量、噪振控制和低频声振原理研究。

参考资料：

Time, Volume 44. 1944

Music of the Repressed Russian Avant-garde, 1900-1929 By Larry Sitsky

Soviet Physics: Acoustics, Volume 36

全音琴，1940年

1940年：莱斯·希尔斯的全音琴

全音琴（Univox）是英国詹宁斯风琴公司（Jennings Organ Company）所开发的一种单音便携型钢琴附件乐器，类似“电子钢片琴”。这家公司位于英国达塔福德的西山地区（West Hills, Dartford），后来易名“詹宁斯乐器实业公司”（Jennings Musical Industries），是沃克斯（Vox）系列风琴、放大器产品的创始者。全音琴的声音由一个锯齿波电子管发生器产生，信号经由二极管整波电路（waveform shaper circuit）调制后成为最终音色。由于使用了分频技术，该琴的音域可达三个八度（后期型号是五个），还可在一个琴键上演奏一个音色多个八度的音。全音琴使用一个三八度F～F的迷你木质键盘进行演奏，配有6瓦特放大器和8英寸扬声器，所有的组件都安装在一个皮质手提箱中。

“电子钢片琴出现在英国市场上的时间要比全音琴早……电子钢片琴诞生于法国，由英法合资塞尔莫公司（Selmer，位于伦敦查令十字街^[1]Charing Cross）引进英国。塞尔莫公司的主要是销售木管、铜管乐器，虽然电子钢片琴的确是个不错的产品，但他们并未因此真正地进入电子乐器市场——而且，电子钢片琴售价太贵。

汤姆·詹宁斯（Tom Jennings）发现了个中的商业机会，他之前就有过销售手风琴等乐器的成功经验。他找到了一位当地的电子工程师，莱斯·希尔斯（Les. Hills）。在研究了电子钢片琴的结构之后，希尔斯设计出了另一种与电子钢片琴所属法国专利不同的电路方案。不过，这种新设计的乐器性能并不稳定，有时候顾客一拿到它，其中的一些部分就坏了。这些问题，一方面是由于早期电路设计缺陷，但更多的还是因为使用了不适配的零件，以及装置本身的机械缺陷。

莱斯在这个过程中，仅负责电路设计部分，机械上的问题则由一些当时的手风琴修理工应付了事。我曾被汤姆挖角，去解决乐器的性能问题。测试电路、零件和改良机械结构，前后大概花了几个月的时间。这大概是1951年的事儿。

大概在1951年还是1952年的时候，全音琴凭借极具竞争力的价格以及汤姆全国范围的产品推广，在市场上有了很大长进。全音琴的第一个型号J6是单排键琴，后来的J10有两排音色/效果按钮。所有型号的全音琴都有金属螺口旋夹，可将乐器固定在钢琴右手边的下方。后来我们还设计了一种可调节镀铬支架，可以让用户在不拧支架螺丝的情况下变换演奏位置。当时，全音琴的用户大多是酒吧老板或者是在酒吧表演的钢琴手。

所以，电子钢片琴和全音琴绝对不是一码事，它们只是目标市场一样罢了。”

——德里克·昂得当（Derek Underdown），1951～1967年间曾任JMI/Vox技术总监、总工程师

全音琴，1940年

全音琴的键盘使用了一种独特的双触点结构，通过键盘，可以控制基本的音色特性：用稍大的力量按下琴键，可使闸流脉冲发生器产生更快的衰减，即产生了断奏效果；轻柔地按下琴键，则可使衰减时间最多长达2秒。琴内同时还有一个振动振荡器，用于调制输出信号，还可触发闸流管产生类似曼陀铃的重复音。全音琴的前面板由以下几个部分组成：15个用于控制音色的按钮，三个颤音控制钮，一个闸流管调制控制钮、膝控^[2]膝控（knee operated）实际上就是一种脚踏控制方式。全局音量控制装置。

参考资料：

http://www.alphaentek.com/vox.htm

http://www.combo-organ.com/Vox/

http://www.melbournemusiccentre.com.au/articles/univox.html